1998年上映的《移魂都市》，由好莱坞导演亚历克斯·普罗亚斯（Alex Proyas）执导。影片通过对记忆操控、虚假现实等科幻母题的深刻探讨，以及融合表现主义的视觉风格，不仅成为科幻迷心中的“邪典经典”，也被认为影响了《黑客帝国》等后续科幻佳作。

“拍电影就是建造一个世界。在《移魂都市》中，Alex几乎全程于庞大的摄影棚内构建了一个不见天日的封闭宇宙。其沉浸感之强，令整个剧组都仿佛“活在了那个世界里”。

建造世界的创作动力，也驱动着他在技术上不断突破边界。在其另一代表作《我，机器人》（又称《机械公敌》）中，面对“制作上千个机器人”的巨额成本难题，他的团队开创性地将35毫米胶片摄影机与实时联动的计算机模型结合，实现了镜头移动时虚拟场景的同步变化。

这项在新世纪初令人惊叹的技术，成为了虚拟制作的重要开端之一，影片也提名了77届奥斯卡最佳视觉效果奖。

在2014至2015年执导的《神战：权力之眼》中，Alex已开始全面采用虚拟拍摄技术，但仍未脱离传统绿幕/蓝幕的范畴。而在其最新作品《罗素姆万能机器人》中，就已转向完全基于LED屏幕的虚拟制片流程，通过“所见即所得”的虚拍技术，极大提升了拍摄效率与决策精准度。

“我们正身处科幻小说般的时代”，在Alex看来，随着AI及相关技术的持续发展，世界正以前所未有的速度变迁。这使得科幻创作在当下具有超越以往的现实意义。

Alex强调，阅读科幻小说是他毕生的热爱，也是其电影创作最重要的灵感源泉。作为人机对抗题材的标杆之作，《我，机器人》就改编自美国科幻小说鼻祖阿西莫夫的经典作品。阿西莫夫提出的“机器人学三定律”，至今仍是人工智能题材叙事的重要框架。

与此同时，Alex坦言，好莱坞电影产业正陷入“生存之战”，原创作品的生存空间日益收窄，科幻片由于盈利难度更是失去投资方青睐，导致了这一类型的式微。面对这一困境，一些如Alex这样坚持创作的电影人不得不寻求新的发展路径，“未来的关键在于探索可能性”。

将电影创作比作一场马拉松，Alex道出了其中的真谛：“从构思到完成，一部作品可能需要数年光阴，面对各种挑战。你必须找到一个对自己极具感染力的主题与故事，精准捕捉时代精神，才能让更多的人心中共同闪烁火花。”

以下是《新声Pro》和导演Alex Proyas的部分对话：

新声Pro：如今全球科幻创作更关注气候变化、疫情、社交媒体等现实议题，你认为科幻叙事的核心使命发生变化了吗？

Alex：我所遵循的科幻传统，是源自几百年前的科幻文学。比如儒勒·凡尔纳、H.G. 威尔斯，还有那些黄金时代的英美科幻作家，像阿瑟·C·克拉克、艾萨克·阿西莫夫，还有 J.G.巴拉德这些优秀的创作者。

科幻从来都是在探论当下议题。它并非关乎动作场面或预言未来。它的作用是将我们投射到未来，讨论我们作为人类现在关切的问题。所以电影中的科幻叙事从未真正做到这点。科幻文学涉及的哲学思想与概念，通常不太容易转化为商业电影制作。

所以你提到的那些议题一直都是科幻关注的重点，现在甚至比以往更重要，因为我们现在就生活在一个科幻小说般的时代，对吧？世界变化如此之快。正因如此，我认为这个类型的创作比任何时候都更具现实意义。

新声Pro：所以你目前最关注的也是和当下非常相关的主题。

Alex：一直如此。我所有的电影，所有的科幻领域作品，讲的都是与我们当下生活有关的内容。故事必须能和观众产生共鸣，观众坐在电影院里想看到的是自己的生活。我只是通过科幻手法将其放大：或将其极端化，或赋予象征意义，而非创造一个完全虚构的世界。

当下人们很容易受不同立场影响，若在聚焦现实议题的电影中评论社会与政治，很容易引发因立场差异而产生的抵触。但将现实问题转化为象征性的科幻故事后，观众可依据自身理解自由解读，既不会受限于当下的立场，也不会因导演的观点而感到被冒犯。

新声Pro：你观察到全球范围内科幻电影领域出现了哪些新的风格和趋势？

Alex：每次回答这类问题，我都想把中西方电影制作结合起来说，但这很难，因为两者差异太大了。虽然这段时间也在学习了解中国电影，但目前所知还比较有限。

新声Pro：可以先聊聊好莱坞的情况。

Alex：当下在好莱坞，科幻片并非热门类型。没错，它不火了。原因是好莱坞电影正处在“生存之战”中，处境愈发艰难，电影人想将作品落地变得越来越难。

拿我自己举例：十年前，只要有原创构思，不管是基于中短篇小说还是漫画改编，只要能为电影市场带来新鲜内容，即便要拍高预算科幻片，且既不是翻拍，也不是系列续作，我都能在好莱坞找到投资。可现在完全不可能了，原创电影在好莱坞已经失去了市场。

科幻片不受投资方青睐，本质是这类作品难以带来足够收益，而投资方的核心诉求就是盈利。所以我们这些偏爱科幻的电影人，只能想办法降低制作成本。

如今好莱坞更受欢迎的是恐怖片，因为成本低、易回本。不过我始终抱有期待：随着AI及相关技术的普及，科幻片的制作成本会进一步降低，希望未来也能拍出更多科幻作品。

新声Pro：在中国，我们看到了一些新趋势，比如很多作品会融合不同类型，像科幻和喜剧、动作、惊悚结合。好莱坞现在还常见这种类型融合吗？

Alex：现在好莱坞很少尝试类型融合，跨类型创作既罕见又充满挑战。

好莱坞行业观念保守，那些掌控预算的人极其傲慢，总自认为深谙电影盈利之道，可事实是，没人能真正摸透市场规律。有些人的电影能成功赚钱，更多是靠运气罢了。

能否抓住“时代精神”（zeitgeist）才是关键。作为创作者，若能精准捕捉一个时代的核心氛围、大众情绪，作品就能打动千百万人。影视圈有不少这样的案例：有些电影刚上映时无人问津，十年后却成了经典，风靡全球。

新声Pro：目前好莱坞在虚拟制片方面有哪些新进展？

Alex：虚拟制作简单来说，就是借助LED屏搭建场景，摄像机与计算机系统联动。摄像机移动时，屏幕上虚拟环境的视角会同步变化，让演员仿佛真的身处实景之中。这种制作方式优势很明显：无需搭建大型实体布景，环境可在电脑中建模，如今我们还越来越多地用AI构建场景，效率大幅提升，且一人即可操作，无需传统CG技术那样多人分工的耗时耗力流程。

另外，虚拟拍摄无需辗转各地外景地，也不用申请多地拍摄许可，只需要一个摄影棚就行。在同一个棚里，按个按钮就能切换灯光和虚拟环境，拍摄效率极大提高。

新声Pro：你是否已尝试全AI生成的影像，全流程AI制作和传统生产模式最大的差异是什么，会带来怎样新的美学风格？

Alex：我既是传统主义者，也是未来主义者。我最初爱上的就是大银幕上的大制作真人电影，这也是我一直想创作的方向。

但我也拥抱技术，欣赏它为创作带来的优化，它们让作品呈现更出色、制作流程更完善。但该用AI、数字技术，还是传统胶片技术，理应让创作者自主决定，而非被商业利益左右。

对我而言，与演员合作、和人一起工作至关重要，这是我创作流程的核心。我会独自在房间里完成剧本，但故事真正拥有生命，是从演员念出台词、与我讨论剧本开始的。这种互动无比珍贵，我绝不会舍弃这个环节。因此，我不可能跳过与真人的合作，直接从剧本跳到AI生成式长片。

不过，“混合模式”是可行的：先和演员完成拍摄，再将素材导入AI进行画面调整。这样一来，演员的外形不再是限制。年轻人能演老人，男性可演女性，甚至能演外星生物，但演员的表演细节与灵魂，会通过AI传递到最终画面里。这种模式既能降低成本，又能让我这样的创作者继续与人类协作。这是我非常看重的。

新声Pro：那你认为未来真人实拍和线下电影院会消亡吗？

Alex：我希望不会。就像我刚才说的，创作者应该有权决定“保留哪些传统方式，采用哪些新技术”。而且你看，电视发明后，广播并未消失；电影发明后，戏剧也没消失。

因此我不认为人工智能和新技术会威胁替代传统方式，它们更接近一种补充品，我称之为增强智能。它借鉴了人类智能的某些方面，同时又在拓展我们的认知边界。这很正常，本质上是延续而非替代。而人们之所以恐惧，正是源于这种被取代的想象。

新声Pro：说不定未来去影院看电影会变成一种“复古潮流”。

Alex：真的有可能。但也可能出现另一种情况，就像现在伦敦戏剧界目前正焕发着前所未有的活力，经历着一场真正的复兴。我认为这在一定程度上反映了人们对虚拟体验的某种倦怠，他们渴望看到真实的人在舞台上表演。这种趋势在中国或许尚不明显，但我相信，随着人们对“真实”的渴望日益增长，类似的情况也会出现。

以我17岁的女儿为例，她和同龄人一样，热衷于手机和短视频，但她同样对戏剧和现场表演充满热情，甚至到了痴迷的程度。她自己或许无法完全解释原因，但我认为关键在于：当各种屏幕——无论是大银幕还是小屏幕——充斥生活之后，真实发生在你面前的事，依然具有独特的、无法替代的魅力。

新声Pro：目前已经有AI工具能根据观众反馈实时调整剧情走向，未来还会可能有什么趋势？

Alex：未来无疑会涌现出更多我们目前难以想象的、由AI驱动的艺术形式。我有美国的朋友，现在正在利用AI为电视剧构建完整的世界观和角色基础，观众未来甚至可以在既定框架内进行互动。类似的技术已经存在，比如个性化电影：用户上传自己的照片，等一杯咖啡的时间，一部以你为主角的电影就生成了。

但我还是觉得，这些新技术更多地是创造了新的选择和市场，构成了额外的产业维度，而非简单地取代传统的创作模式。所以我对未来持乐观态度，因为这会为观众提供更丰富的多样性。

AI肯定能做出更多更酷的东西，但最核心的部分——能够真正打动人心的故事，必须源自人类的视角和经验，由人类来讲述，这是机器无法替代的。除非未来进入由机器人完全主导电影制作的时代，那将是另一回事了。

本文来自微信公众号：新声Pro，作者：陆娜